Vom Atelier an den Esstisch: Kunst mit Kochmütze

Den glei­chen Impuls spür­ten in den Sech­zi­ger­jah­ren viele junge Künst­ler*innen, die nun alltäg­li­che Orte und Objekte ins Zentrum ihres Schaf­fens stell­ten. Die Idee, als Künst­ler*in in die Rolle eines Restau­rant­be­trei­ben­den zu schlüp­fen, passte perfekt in diese Zeit des künst­le­ri­schen Umbruchs. 1969 eröff­ne­ten in den Verei­nig­ten Staa­ten gleich zwei Esslo­kale, die diesem Prin­zip folg­ten: Allen Ruppers­bergs „Al’s Café” in Los Ange­les und Les Levi­nes „Levine’s Restau­rant” in New York. Al’s Café öffnete donners­tag­abends und kam wie ein klas­si­sches ameri­ka­ni­sches Diner daher, aller­dings verriet ein Blick auf die Karte eher schwer verdau­bare Spei­sen wie „drei Steine nebst Papier­knäuel”, „File­tierte Baum­rinde” oder „Baum­wolle mit Ster­nen­staub”, eine ironi­sche Anspie­lung an die zu der Zeit aufstre­bende Land Art-Bewe­gung. Nach Bestel­lung wurden diese Skulp­tur-Spei­sen tatsäch­lich von Ruppers­berg zube­rei­tet und serviert, konsu­mie­ren konnte man sie auf eigene Gefahr. Das Bier war aller­dings echt, und so mutierte das Café, teils Instal­la­tion und teils parti­zi­pa­to­ri­sche Perfor­mance, in den drei Mona­ten seiner Exis­tenz zu einem belieb­ten Treff­punkt der loka­len Kunst­szene.

Das wohl lang­le­bigste Künst­ler*innen-Restau­rant-Projekt dieser Zeit war „FOOD” (1971-1973), eröff­net von Gordon Matta-Clark, Carol Gooden und Tina Girouard im New Yorker SoHo-Vier­tel. Es wurde gänz­lich von Künst­ler*innen geführt und war die einzige Anlauf­stelle im Vier­tel für gesun­des, nach­hal­ti­ges und güns­ti­ges Essen, wodurch das Lokal schnell großen Anklang fand und zu einem zentra­len Treff­punkt der Krea­tiv­szene wurde. Matta-Clark orga­ni­sierte dort regel­mä­ßig Perfor­man­ces, so auch das „Bone Dinner”, bei dem er Ochsen­schwanz­suppe servierte, gefolgt von gerös­te­ten Mark­kno­chen und Frosch­schen­keln. Am Ende des Abends wurde jedem Gast eine Hals­kette über­reicht, ange­fer­tigt aus den auf den Tellern liegen geblie­be­nen Knochen. FOOD schaffte es schein­bar mühe­los, als Restau­rant, sozia­les Expe­ri­ment und parti­zi­pa­to­ri­sches Kunst­werk zugleich zu funk­tio­nie­ren, wobei sich letz­te­rer Begriff erst über zwan­zig später etablie­ren sollte.

Lange bevor Tira­va­nija sein Art-Basel-Pop-up-Restau­rant eröff­nete, hatte sich eine andere Künst­le­rin damit beschäf­tigt, das Publi­kum der Schwei­zer Kunst­messe kuli­na­risch und künst­le­risch zu versor­gen: Jenni­fer Rubell. Von 2002 bis 2018 lud die US-ameri­ka­ni­sche Konzept­künst­le­rin und Toch­ter des berühm­ten Samm­ler-Ehepaars Mera und Don Rubell jedes Jahr anläss­lich der Eröff­nungs­wo­che der Art Basel Miami Beach zu einem monu­men­ta­len Früh­stück im Hof der Rubell Family Collec­tion ein. Das kuli­na­ri­sche Ange­bot hielt Rubell klas­sisch: Mal gab es hart­ge­kochte Eier, Crois­sants und Bacon; mal Hafer­brei mit Rosi­nen; mal Joghurt; mal Blät­ter­teigtört­chen, Donuts oder Brot mit Butter und Salz. Aber die Darrei­chung war alles andere als konven­tio­nell. Teils Instal­la­tion, teils inter­ak­tive Food-Perfor­mance, balan­cier­ten in „Faith” 1573 Tört­chen auf einer gigan­ti­schen Wippe; in „Fifty Cakes” fütter­ten die Rubells ihre Gäste eigen­hän­dig mit Schoko-, Vanille- und Erdbeer­ku­chen; während bei „Just Right” das Publi­kum komplett auf sich selbst gestellt war. In Anleh­nung an das Märchen von Gold­löck­chen und den drei Bären galt es, durch ein Loch im Zaun in ein herun­ter­ge­kom­me­nes Haus zu klet­tern, sich dort aus einem Berg von Geschirr mit Schüs­sel und Löffel auszu­stat­ten, sich Hafer­brei aus riesi­gen, damp­fen­den Koch­töp­fen zu servie­ren und diesen mit Milch aus großen Kühl­schrän­ken aufzu­gie­ßen.

Rubell, die auch ausge­bil­dete Köchin ist, wehrte sich anfäng­lich dage­gen, ihre Früh­stücks­in­stal­la­tio­nen als Kunst zu defi­nie­ren. Doch die Teil­neh­men­den der Food-Perfor­man­ces erkun­dig­ten sich immer wieder nach dem Namen des Künst­lers oder der Künst­le­rin hinter den Events, und 2009 beschrieb die einfluss­rei­che Kunst­kri­ti­ke­rin der New York Times Roberta Smith einen Beitrag Rubells zur Performa 09 als „erfolg­rei­che Verschmel­zung von Instal­la­ti­ons­kunst, Happe­ning und Perfor­mance”. Erst dann (und als sie erkannte, wie eng ihre Ideen mit den Konzep­ten Tira­va­ni­jas und den Prin­zi­pien der Rela­tio­na­len Ästhe­tik zusam­men­hin­gen) fing Rubell an, sich offen­kun­dig als Künst­le­rin zu präsen­tie­ren.