Bald in der SCHIRN:
Body and Building
12.03.2025
12 min Lesezeit
Vom 28. bis zum 30. März 2025 live in der SCHIRN: Ein Wochenende mit Höhepunkten der internationalen Performance-Kunst.
Ein Dialog zwischen Architektur, Körper und Kunst
Die performative Ausstellung „Body and Building. 2 Evenings, 2 Days (Of Performances)“ ist eine körperliche Aneignung der SCHIRN. Die sonst verschlossenen Fenster der leeren Galerie des Gebäudes werden geöffnet, der Raum durch Live-Performances belebt, strukturiert, konfrontiert und in Beziehung gesetzt. Dabei entsteht ein Dialog von Kunst mit Architektur, eine Auseinandersetzung des menschlichen Körpers mit der räumlichen Präsenz, die ihn umgibt. Die Performer*innen verhandeln mit dem Gebäude der SCHIRN: Die Bewegung der Körper erschließt und befragt die Architektur, erzählt von der Gewalt oder Kraft eines Raumes und von Möglichkeiten, diesen zu erfahren, wahrzunehmen oder darin neue Raumkörper zu formen. Zu sehen sind insgesamt 14 Live-Performances sowie eine Sektion mit 10 Videoarbeiten.
„Kaum eine zeitgenössische Kunstform hat sich in den letzten Jahren so stark entwickelt wie die Performance.“
Matthias Ulrich
Ein Spiel mit Erwartungen und Konventionen
Ein zentrales Thema des Projekts ist die Auseinandersetzung mit Konventionen von Kunstausstellungen, mit Erwartungen an den institutionellen Rahmen, die Öffnung zum Publikum sowie das Verhalten der Besucher*innen im Kunstraum. Maria Hassabi erforscht in ihrer Installation und Live-Performance „White Out“ (2023/2025, 50 Min.) auf einer schwarz verspiegelten Museumsbank die Beziehung zwischen dem lebenden Körper, dem Standbild und dem skulpturalen Objekt im Raum.
In Norma Jeanes Neuproduktion „Antibodies“ (2025, 60 Min.) sammeln Performer*innen in Schutzkleidung Staub vom Boden und schichten diesen zu einem Hügel, einer Staubskulptur. Staub entsteht durch die Anwesenheit von Menschen, wird über die Kleidung vom Außenraum in die Galerien transportiert oder stammt direkt von der Haut. Meist unsichtbar, begegnen sich im Staub menschliche Körper und architektonischer Raum.
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Die ortspezifische, musik-theatrale Intervention „Study of Slope“ (2022/2025, 30 Min.) von Lina Lapelytė wird von einem Chor aufgeführt. Die Personen haben gemeinsam, dass sie nicht singen können und es trotzdem gerne tun. Die Arbeit ist eine vielstimmige Meditation über die Frage, was als schön erachtet wird, was als wertvoll gilt und wer gehört wird. Textgrundlage ist der Roman „Living In A Land“ von Sean Ashton.
Lenio Kaklea schlägt mit „Sonatas and Interludes“ (2021, 60 Min.) eine neue Lesart des gleichnamigen Meisterwerks von John Cage aus den Jahren 1946 bis 1948 vor. Begleitet von Pianist Orlando Bass ruft Kakleas Performance die wenig bekannte Zusammenarbeit von Cage mit afroamerikanischen Choreografinnen wie Syvilla Fort und Pearl Primus sowie andere modernistische Referenzen aus Kino, Jazz und Musical in Erinnerung.
Die SCHIRN präsentiert zudem vier der insgesamt 58 überwiegend aus Baumwolle gefertigten Objekte aus dem Ersten Werksatz (1963–1969) von Franz Erhard Walther. Erst durch ihre Aktivierung entsteht das Werk. Die Objekte werden von einer oder mehreren Personen gehalten, gespannt oder angezogen. Dieses innovative Moment der „Skulptur als Handlung“ macht Walters Ersten Werksatz zu einem Schlüsselwerk der zeitgenössischen Kunstgeschichte.
Räumliche Aus- und Abgrenzungsmechanismen
Räumliche Grenzen und deren Überwindung, Aus- oder Abgrenzung sowie auch Aspekte von Sicherheit im öffentlichen Raum werden in mehreren Arbeiten aufgegriffen. Das Werk „Tent, Quartet, Bows and Elbows“ (2007/2025, 15–20 Min.) von Ana Prvački ist sowohl Klangstück und Performance als auch Skulptur. Im Inneren eines Zeltes spielen Musiker*innen des Fabrik Quartett, auf dem Material der Zeltoberfläche zeichnen sich währenddessen ihre Instrumente oder Körperteile ab.
In der ortsspezifischen Intervention „Hide and Seek“ (2023/2025, Dauer variabel) von Alicja Wysocka agiert eine Gruppe von Ukrainerinnen, die von geopolitischer Vertreibung betroffen sind, mit dem Ausstellungsraum. Sie spielen dort Verstecken, unterlaufen damit museale Konventionen und gestalten den Raum neu.
Isaac Chong Wai arbeitet für „Falling Reversely“ (2021/2025, 30 Min.) mit Performer*innen asiatischer Herkunft zusammen. Die Arbeit entsteht als kraftvolle Form der Solidarität und des Widerstands und als Antwort auf systemische Gewalt. Die Performer*innen interpretieren Videoaufnahmen von asiatischen Personen, die aufgrund körperlicher Angriffe im öffentlichen Raum zu Fall gekommen sind, und kehren diese um.
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Einige der Performances entstehen als eigens für die Ausstellung in der SCHIRN entwickelte Narrationen. Adrian Ruth Williams setzt konzeptuelle Erzählstrukturen durch Klang und Stimme, Text, Bewegtbild, Fotografie, Performance und Installation ein. In der Performance „theirself herselves“ (2025, Dauer variabel) wird ihre Stimme zum Ventil für algorithmisch bestimmtes Material in einer Rückkopplungsschleife zwischen dem menschlichen Körper und einer Maschine.
Die SCHIRN zeigt außerdem eine Neuproduktion von Irena Haiduk. Das intime Kabarett „Night Cast“ (2025, 25 Min.) schafft ein verletzliches Raum-Zeit-Gefühl, die Hauptrolle nimmt Dean Kissick ein, begleitet von Christian Schmitz.
Eindringliche Klang- und Musikwelten
Musik und Klangräume sind ein weiterer Schwerpunkt des Projekts. In der für die SCHIRN adaptierten Soloperformance „LYNX“ (2022/2025, 20–30 Min.) von Astrit Ismaili verbinden lange Fäden den performenden Körper mit Metallskulpturen und Klangkörpern. Durch das Ziehen der Fäden und den Einsatz der eigenen Stimme aktiviert Ismaili diese und interagiert mit ihnen. Eigens komponierte Songs sowie Tonfragmente aus Kunst, Populärkultur und Politik handeln von Tradition und Gewalt, Einschränkung und Widerstand, Begehren, Angst und Resilienz.
Nazanin Noori zielt mit „Ambient Hardcore“ (2025, 45 Min.) auf eine hypnoakustische Wahrnehmungserfahrung ab. Musik aus den Subgenres Dark Ambient, Contemporary Classical, Drone und Chant werden mit Sufi-Andachtsmusik und manipulierten und unveröffentlichten Tracks der Produzentin kombiniert. Die Aufführung bezieht sich auf den sufistischen Zustand von ḥāl aus der islamischen Mystik sowie die Deep-Listening-Methoden von Pauline Oliveros.
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In der ortsspezifischen Rauminstallation „Soft Destructions“ (2022/2025, 60 Min.) von Anna Witt führt die professionelle ASMR-Künstlerin Dori-ASMR sanfte, zerstörerische Aktionen an Objekten durch. ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response; deutsch: „Autonome sensorische Meridianreaktion“) ist ein vor allem über soziale Medien bekannt gewordenes Phänomen, bei dem Flüstern oder Klopfen, Knacken, Kratzen und andere subtile Geräusche ein angenehmes Kribbeln bei den Zuhörer*innen auslösen. ASMR wird auch zur Linderung von Stress und Angst eingesetzt. Die Besucher*innen erleben mit Kopfhörern die verstärkten Klänge, die eine einzigartig intime und eindringliche Atmosphäre schaffen.
Institutionen im Spiegel ihrer Macht
Ein weiterer Bereich der Ausstellung vereint 10 thematisch passende Videoarbeiten und gibt einen selektierten Überblick auf filmisch dokumentierte Performances aus dem 21. Jahrhundert. Einige Videos beschäftigen sich mit der Autorität von Museen oder Institutionen in der Geschichtsschreibung, bei der Rezeption von Kunst oder der Bewertung und Erinnerung von Ereignissen.
Die früheste, und für das Projekt prägende Arbeit, ist die Guerilla-Videoperformance „Little Frank and His Carp“ (2001, 6:08 Min.), in der Andrea Fraser das von Frank Gehry entworfene Guggenheim Museum Bilbao in Spanien besucht. Fünf versteckte Kameras dokumentieren, wie sie dem offiziellen Audioguide lauschend durch das Atrium schlendert. Ihre übertriebene Reaktion auf die Anweisungen des Audioguides parodiert die Deutungshoheit von Museen für die Kunstbetrachtung.
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Auch Lili Reynaud-Dewar besucht und interagiert mit Museen und Institutionen, ihre Videoarbeiten entstehen ohne Publikum vor der Eröffnung oder nach Schließung der jeweiligen Spielstätten. Einfarbiges Make-Up in schwarzer, grüner, weißer, roter, oder silberner Farbe verbirgt ihren dabei unbekleideten Körper, unterstreicht abstrahierend die formale Dimension ihrer intimen Performance von Tanzbewegungen sowie „gewöhnlichen“ Tätigkeiten im diesen öffentlichen Räumen. Die SCHIRN zeigt ihre Arbeit „I Want All of the Above to Be the Sun” (MAC Montreal) (2023, 32:11 Min.).
Als Ei Arakawa-Nash Dozent an der renommierten Kunstschule ArtCenter in Los Angeles wurde, beschäftigte er sich intensiv mit deren Geschichte und der Frage, wie man Kunst eigentlich an eine nachfolgende Künster*innengeneration vermitteln kann. Seine Überlegungen und der Austausch mit anderen Kunstlehrenden und -Studierenden flossen ein in die Arbeit „Here Comes a Cohort, Through a Wind Tunnel“ (2023, 8:44 Min.).
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Naufus Ramírez-Figueroa untersucht, wie Architektur Erinnerungen an Machtregime speichert und an die damit verbundene Geschichte der Ausbeutung erinnert. In „A Brief History of Architecture in Guatemala“ (2013, 6:17 Min.) tragen drei Personen Kostüme, welche ikonischen Bauwerken Guatemalas nachempfunden sind: einer Maya-Pyramide, einer Kolonialkirche sowie der modernistischen Nationalbank von Guatemala. Sie tanzen zur guatemaltekischen Volksmelodie „Cinco Pesos“ und zerstören dabei die Kostüme bzw. Gebäude.
Der Künstler Jimmy Robert bewegt sich anlässlich des Jahrestags des Brexit-Referendums in der Performance „European Portraits“ (2017, 20:11 Min.) durch seine gleichnamige Ausstellung in der Londoner Galerie PEER. Roberts Körper wird bedeckt von einem großformatigen Stoff, darauf ein Porträt des Malers Bronzino aus dem 16. Jahrhundert. In Textarbeiten an den Wänden porträtierte Robert acht Personen über mehrere Jahre hinweg. Die Arbeit wird begleitet von einer Klangarbeit der Künstlerin Ain Bailey und fokussiert auf soziale und kulturelle Vielfalt.
Architekturen der Leere und Zweckentfremdung
Aspekte von Leerstand und Umnutzung von Gebäuden sowie deren Effekte auf die Besuchenden thematisiert etwa Meg Stuarts Video „The Lobby“ (2020, 7:25 Min.). Darin treten fünf Personen in einen Dialog mit den während der Covid-19-Pandemie gespenstisch leer wirkenden, weitläufigen Räumen und Interieurs der ikonischen Architektur des Haus der Kulturen der Welt in Berlin.
In der Arbeit „deader than dead“ (2020, 19:39 Min.) beschäftigt sich Ligia Lewis mit einem körperlichen Ausdruck, der im Englischen „deadpan“ genannt wird. Sie entwickelt eine Choreografie für Performer*innen, die ausdrucksvoll flach, fast schon leblos erscheinen und sich jedem erzählerischen oder figurativen Halt widersetzten. Inspiriert vom Schlussmonolog der Tragödie Macbeth von William Shakespeare wählten die Performer*innen eine modulare Form, um etwa Tod, Stillstand oder Leere zu illustrieren. Die Performance wurde aufgrund der Corona-Pandemie für das Hammer Museum, Los Angeles, als Video umgesetzt.
