The Call – die Graduiertenausstellung der Städelschule

Bereits im Foyer des umfunktionierten Gebäudes werden Arbeiten von Benjamin Tiberius Adler und Eric Powell präsentiert. Adler, der vor seinem Studium der Bildenden Kunst Jura studierte, hat eine achtförmige Skulptur aus Gesetzbüchern installiert, durch die ein Wasserkreislauf fließt. Damit verweist seine Arbeit „Down the drain“ auf die ständige Unbeständigkeit von solchen Abhandlungen, die in jeder Legislaturperiode und Rechtsänderungen aktualisiert werden müssen.

Einige Meter weiter in einem Durchgangsraum kommen wir an der Arbeit „Following the Protocol” von Dmitry Teselkin vorbei. Seine Installation besteht aus einer Schicht Pappkartons, die in spielerischer Anordnung die gesamten Wände des Flurs sowie die Türen der Toiletten bedeckt. Kann diese Schicht als eine Art Schutzvorrichtung für die steinerne, dahinterliegende Wand verstanden werden? Ist sie eine Metapher, die nach unserer eigenen, menschlichen Schutzbedürftigkeit fragt?

Aus manch einer geschlossenen Bürotür dringen indes Töne und Geräusche hervor, die die Neugierde der Besuchenden wecken. Beim Betreten einer dieser Räume stoßen wir auf die Soundinstallation „Binary Composition for Two Cellos” von Donghoon Gang. Aus zwei kleinen Lautsprecher erklingen die Töne zweier Celli. Die Melodien der Streichinstrumente wechseln von schnell und rhythmisch zu langsam und träge, von fröhlich und harmonisch zu schwermütig und disharmonisch. Die Partitur zu diesem mehrstimmigen Instrumentalstück ist an einer Wand angebracht und in einem kreisförmigen Liniensystem strukturiert, das eine endlose Musikschleife suggeriert. Im Gespräch mit dem Künstler, der vor seinem Studium der Bildenden Kunst Musik und Philosophie studierte, erfahren wir, dass ihn die Form eines Cellos an eine menschliche Silhouette erinnert und ihre Töne an eine menschliche Stimme. „Allegro, Vivace, Largo” – diese musikalischen Bezeichnungen wurden vom Künstler mit Gefühlsregung wie „anxiety”, „sorrow” oder „love” ersetzt. Nicht nur Tempo und Rhythmus, sondern auch die dissonanten oder harmonischen Intervalle der Melodien erzeugen verschiedene Gefühle und Emotionen. Die Celli werden so zu Repräsentanten menschlicher Individuen, die durch ihre Stimmen aufeinander reagieren und sich in einem immer wiederkehrenden Kreislauf unterstützen, streiten und versöhnen.

Sound, Sound, Sound

Am Ende des Gangs, in einem völlig abgedunkelten Raum, befindet sich eine weitere Soundinstallation, diesmal jedoch von Mahya Ketabchis. Wir hören undefinierte Töne, die von metallischen, industriellen und instrumentellen Klängen bis hin zu naturähnlichen Geräuschen reichen und unterschiedlichste Assoziationen auslösen. In „Study of a search” stehen die emotionalen und sensuellen Erfahrungen im Vordergrund, die durch die Töne der Soundinstallation bei den Zuhörer*innen ausgelöst werden.

Ausrangierte Duschgläser sind in modularen Steinblöcken angeordnet und füllen einen Teil des Raumes aus. Auf den Gläsern ist das Logo des Leonardo-Hotels in Frankfurt am Main zu sehen. Bei Umbauarbeiten wurden sie vor dem Hotel zurückgelassen und von der Künstlerin Nina Nadig mitgenommen. Ihre Arbeit „Leonardo” reflektiert damit die Grenzen zwischen privatem und öffentlichem Eigentum und hinterfragt private Besitzverhältnisse. Die rasterartige Anordnung der Gläser im Ausstellungsraum verweist auf die starre und sich wiederholende Architektur des Hotels, während durch die modulare Installation, die beliebig angeordnet und verschoben werden kann, ein spielerischer Moment entsteht. Das Logo des Hotels – der vitruvianische Mensch von Leonardo da Vinci – symbolisiert das Bild des perfekten männlichen Körpers und wirft somit nicht nur Fragen nach Körpernormen auf, sondern auch nach der eigenen Präsenz als Künstler*in. Das perfekt geformte Individuum, gemalt vom Meister der Renaissance, stellt das eigene künstlerische Können in Frage und rückt die fortwährende und von Unsicherheit geprägte Selbstoptimierung als Mensch und Künstler*in in den Fokus.