WEIBLICHE SELBSTPORTRAET FOTOGRAFIE

Scheinbar unverhohlen stellen sie sich und ihre Körper dabei dem Betrachter-Auge zur Schau, doch sind ihre Bilder mehr als nur die Dokumente narzisstischer Menschen. Wie auch in anderen Beispielen der Ausstellung ICH in der SCHIRN führen diese Künstlerinnen vielmehr das Selbstbildnis über dessen klassische Definition hinaus. Sie eröffnen dabei eine weitere Ebene der Dualität: des Subjekts versus Objekt, verkörpert in nur einer Person, genauer gesagt: einer Frau. Mit der Fotografie sollen sie dafür das ideale Medium gefunden haben, mit ihrem Körper ihr wichtigstes Werkzeug.

Die Neuen Frauen

Seinen Ausgang findet dieses (Selbst-)Verständnis am Anfang der Fotografie, die Frauen plötzlich eine willkommene, experimentierfreudige Freiheit offenbarte. Ihm voraus waren Jahrhunderte der Malerei und der Bildhauerei gegangen – und damit  Jahrhunderte der klaren Rollen: der Mann als Schöpfer, als malendes und formendes Genie, die Frau als eines seiner beliebtesten Motive. Malerinnen und Bildhauerinnen hingegen sollten stets in der Minderheit bleiben.

Für ihr monochromes „Selbstporträt mit Ikarette“ fotografiert sie sich 1925 in einem Spiegel: Eine Handkamera verdeckt ihr Gesicht fast gänzlich; in der Unschärfe ist es ohnehin kaum zu erkennen. Einerseits ein Berufsporträt, dokumentiert sich Krull hier mit ihrem essentiellen Werkzeug und macht erneut den inszenierten Rahmen des Mediums explizit. Andererseits geht es der Wirklichkeit zugleich von anderer Seite auf die Spur, wenn Krull anhand ihres Selbstporträts das neue Bild der Frau manifestiert. Der Spiegel, der hier impliziert wird, bleibt ein beliebtes Hilfsmittel bei Zeitgenossinnen wie Ilse Bing, Florence Henri und Lotte Jacobi.

Eine eigene Bildsprache

Nicht nur den Spiegel werden auch die Künstlerinnen der späten 60er- und 70er-Jahre wieder aufgreifen und dessen Effekt mittels einer Rolle oder Maskierung noch weiterdenken, sondern ebenfalls die Tradition der Selbstbefragung in Form des Selbstporträts fortführen. Unter Einfluss der Bürgerrechts-, Antikriegs-, 68er-Bewegung sowie der Frauenbewegung entsteht eine „Feministische Avantgarde“ (den Namen prägte die Kunstkritikerin, Publizistin und Direktorin der Sammlung VERBUND, Gabriele Schor im Rahmen der gleichnamigen Ausstellung 2015) – eine geistige Gemeinschaft, deren Pionierinnen zumeist unabhängig voneinander das gesellschaftliche Bild der Frau dekonstruieren und eine neue Repräsentation für sie suchen, unter ihnen Künstlerinnen wie Lynda Benglis, Suzy Lake, Eleanor Antin, Hannah Wilke, Martha Rosler, Cindy Sherman, Birgit Jürgenssen oder auch VALIE EXPORT. Daraus entwickeln sie ihre eigene Bildsprache, die auch Francesca Woodman wenige Jahre später aufgreifen wird.

Nicht seit jeher gegeben, sondern die Vorarbeit jener Pionierinnen hat das Verständnis von Fotografie in den darauffolgenden Jahrzehnten so sehr verändert, dass die nachfolgenden Generationen zuweilen unbewusst noch heute in ihrer Tradition stehen: Weniger politisch, jedoch weiterhin mit der Öffnung des (scheinbar) intimen privaten Raumes arbeitet heute eine neue Generation von Fotografinnen – eine Generation junger Frauen, die sich und ihre weibliche Umwelt mit den Handykameras festhält, die über Instagram und andere soziale Medien bekannt werden, die weniger ihre politisch-gesellschaftliche Rolle neu definieren wollen. Stattdessen lehnen sie sich – allen voran die Fotografin Petra Collins ­– gegen photoshopbasierte, spindeldürre, von Werbung und Konsumgesellschaft propagierte Schönheitsideale auf. Ihre Hilfsmittel bleiben dabei jedoch die gleichen nahe liegenden wie bereits 10We0 Jahre zuvor: die Fotografie und ihre eigenen Körper – in all ihrer ungeschminkten, Zahnspangen tragenden, spätpubertierenden, scheinbar imperfekten Natürlichkeit.