Die Grenze zwischen Realität und Fiktion

Was bedeutet der Begriff der „Immersion“ für euch und eure Arbeit? 

Signa Köstler: Er ist für uns nicht so wichtig. Ich würde sagen, in den Begriff „immersives Theater“ wird gerade alles Mögliche reingepackt, auch vieles, was mit unserer Arbeit eigentlich nichts zu tun hat. Mittlerweile ist daraus ein richtiger Hype geworden mit all den Veranstaltungen zum Thema. Gemeinsam ist allen Aufführungen, dass sie nicht auf einer Bühne stattfinden, aber das heißt ja nicht, dass es sonst irgendwelche Parallelen geben muss.

Der Unterschied zwischen „klassischem Theater“ und euren Projekten ist, dass man bei euch nicht nur mit dem Kopf, sondern mit dem ganzen Körper in die Inszenierungen eintaucht. Man läuft als Zuschauer durch die Kulisse und interagiert mit den Schauspielern, eine „vierte Wand“ gibt es nicht. War das von Anfang an so gedacht? 

Signa: Ja! Es hatte wohl vor allem damit zu tun, dass ich gar keinen Theaterhintergrund habe und Arthur [Köstler, Medien-Performancekünstler und Mitglied von SIGNA, Anm. d. Red.] auch nicht. Ich habe das Ganze nicht als Theater gedacht, ich hatte nicht den Vorsatz: „Jetzt durchbreche ich die vierte Wand!“ Die war für mich nämlich gar nicht da, ich habe sie gar nicht mit Theater in Verbindung gebracht. Es hat sich letztendlich zu einem Theaterkontext entwickelt, weil wir dort unsere Fördergelder bekommen haben und mit Schauspielern und Theaterhäusern zusammengearbeitet haben. Mein Ausgangspunkt war eigentlich eine Installation. Ich habe Kunstgeschichte studiert und arbeitete in Richtung Rauminstallation. Aber nach meinem ersten Projekt, was nicht bespielt war, habe ich gemerkt, dass ich eigentlich immer anwesend sein muss. Später habe ich meine Arbeiten dann von anderen Figuren „bewohnen“ lassen.

Ein wichtiger Teil der Immersion ist der Übergang von der realen Welt in die „Parallelwelt. Wie läuft das bei den Inszenierungen von SIGNA ab, insbesondere, wenn diese über mehrere Tage laufen?

Signa: Das letzte Stück „Das halbe Leid“ dauert zwölf Stunden und hat eine Kapazität für 50 Teilnehmer, die alle gleichzeitig reinkommen. Jeder hat ein Bett und bleibt die kompletten zwölf Stunden. Man kann es natürlich früher abbrechen, aber das ist eigentlich nicht der Sinn der Inszenierung. Andere Stücke dauerten nonstop eine oder sogar zwei Wochen und die Leute konnten kommen und gehen wie sie wollten.

Arthur: Was den Übergang in das Stück „Das halbe Leid“ angeht, so wird den Leuten vorher gesagt, dass sie einen Kurs in einem Verein besuchen. Sie kommen also rein und sind im Verein – niemand erklärt ihnen vorher irgendwelche Regeln oder ähnliches. Sobald die Tür aufgeht, gibt es nur mehr die Fiktion in diesen zwölf Stunden.

Wie reagieren die Menschen auf diese Art von Inszenierung?

Arthur: Bei den Stücken, die über mehrere Tage dauern und bei denen die Leute kommen und gehen ist es oft so, dass die Besucher in Charakteren denken und deren Geschichte, die fortgesetzt wird, während sie selbst nicht dabei sind. Und dann besuchen sie die Charaktere, die sie über eine gewisse Zeit kennengelernt haben, erneut – und freuen sich richtig auf das Wiedersehen.

Signa: Der Übergang bzw. das Hineinkommen ist bei den längeren Stücken natürlich anders, weil es sich ja um eine fortgesetzte Entwicklung handelt. Wenn man erst am dritten Tag einsteigt, hat man schon einiges verpasst. Aber es ist streng genommen nicht anders, als Mitglied in einem Club zu werden – den gab es ja vorher auch schon.

Was fasziniert euch daran, sich komplett in eine andere Biographie hineinzudenken und in ihr bis in die banalen Dinge des Alltags hinein aufzugehen?

Signa: Ich habe tatsächlich darüber nachgedacht. Ich mache das nun seit 17 Jahren, aber es ist nicht leicht zu erklären.

Arthur: Es geht gar nicht so sehr darum, sich in einen Charakter hineinzudenken. Das Faszinierende ist eher, eine Figur zu erschaffen, die sich in einer Gesellschaft bewegt und zu sehen, was auf diese Figur zukommt. Das Interessante ist nicht, was diese Figur macht, sondern was sie auslöst. Als Schauspieler verlieren wir uns nicht in den Rollen, wir haben nicht plötzlich alles andere vergessen – wir sind uns sehr wohl bewusst über jeden Moment der Show: Wo sind die anderen Schauspieler, wie muss ich jetzt reagieren, ergibt das Ganze ein gutes Bild. Im Idealfall passt alles zusammen. Das Bild ist genauso wichtig wie Geruch, Ton und Handlung, alles zusammen muss man ständig produzieren. Wir sitzen auf der Figur wie auf einem Vehikel.