Die SCHIRN beleuchtet erst­mals in einer großen Über­blicks­aus­stel­lung den weib­li­chen Beitrag zum Surrea­lis­mus. Anders als ihre männ­li­chen Kolle­gen kehrten sie die Perspektive um: Durch Befra­gung des eige­nen Spie­gel­bilds und das Einneh­men verschie­de­ner Rollen suchten sie nach einem eigenen Iden­ti­täts­mo­dell. Hinzu kam die Auseinandersetzung mit politischen Themen, Literatur oder fremden Mythen. Neben bekann­ten Namen wie Louise Bour­geois, Claude Cahun, Leonora Carring­ton, Frida Kahlo oder Meret Oppen­heim sind zahl­rei­che unbe­kannte, aufre­gende Persön­lich­kei­ten wie Toyen, Alice Rahon oder Kay Sage zu entde­cken. Die Publikation zeigt nicht nur das beeindruckend aktuelle Œuvre der Surrealistinnen in großformatigen Bildern. Die große Bandbreite an Textbeiträgen unterschiedlicher Expertinnen illustriert die Diversität der Kunstbewegung und die begleitenden Biografien geben Einblicke in das facettenreiche Leben und Werk der Künstlerinnen.

TIPP Rund 260 Gemäl­de, Zeichnungen, Skulp­tu­ren, Foto­gra­fien und Filme von 34 Künst­le­rin­nen aus 11 Ländern ergänzen sich zu einem Gesamtbild des fantastischen Schaffens der surrealistischen Avantgarde. Der umfangreiche Katalog bietet die erste und einmalige Gelegenheit diesen exklusiven Überblick mit nach Hause zu nehmen.

Herausragende Werke und Werkgruppen aus der Zeit vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart demonstrieren die abschließende Zuspitzung oder überraschende Wende eines künstlerischen Lebenswerks. Vorgestellt werden Arbeiten von insgesamt 14 Künstlern, darunter etwa Claude Monet und Henri Matisse, die im hohen Alter ein inzwischen anerkanntes Spätwerk hervorbrachten, oder Martin Kippenberger und Bas Jan Ader, die jung verstorben ein unerwartetes oder nahezu unbekanntes „letztes Bild“ hinterließen.
Künstler: Bas Jan Ader, Stan Brakhage, Giorgio de Chirico, Walker Evans, Alexej von Jawlensky, Georgia O’Keeffe, Martin Kippenberger, Willem de Kooning, Édouard Manet, Henri Matisse, Claude Monet, Francis Picabia, Ad Reinhardt und Andy Warhol 

Leuchtende Farben, überladene Kühlschränke und mittendrin in all dem Chaos: Superman, Mickey Mouse und Donald Duck. Peter Sauls Bildwelten lassen auf den ersten Blick eine enge Verwandtschaft mit der Pop-Art vermuten. Bei genauerem Hinsehen offenbart sich jedoch sein ganz eigenwilliges Oeuvre: Mit einer Mischung aus derbem Slapstick-Humor, Comic und bizarrem Sprachspiel, mit karikaturhaft verzerrten Superhelden und einem Hang zur Übertreibung entlarvt der US-amerikanische Künstler die Schattenseiten des American Dream. Seine Gemälde und Zeichnungen stellen die Konsum- und Massenkultur der späten 1950er und frühen 1960er Jahre auf den Kopf. Bis heute werfen die Bilder einen sarkastischen Blick auf das US-amerikanische Zeitgeschehen und bestechen in ihrer stilistischen Originalität.     

TIPP. Im Interview mit Martina Weinhart erzählt Peter Saul wie das Mad-Magazin ihm eines Tages die Augen geöffnet und ihn zu seiner ganz eigenen künstlerischen Haltung inspiriert hat

Nach dem Erfolg des Projektes (PLAYING THE CITY 1 und 2, 2009 und 2010) kommt nun der 3. und letzte Teil dieses Ausstellungsformats, das erneut zahlreichen Künstlern die Möglichkeit geboten hat, den öffentlichen Raum der Stadt Frankfurt mit Aktionen, Performances und Installationen zu beleben, an denen die Passanten aktiv und kreativ teilnehmen konnten.
Mit: Upper Bleistein, Tania Bruguera, Il-Jin Atem Coi feat. Becker Schmitz und Holger Kurt Jäger, Minerva Cuevas, Jacob Dahlgren, Tim Etchells, Sans Facon, Christian Jankowski, Silke Eva Kästner, san Keller, Levent Kunt, Aleksandra Mir, Eileen Perrier, Kommando Agnes Richter

Die Publikation gibt einen Überblick über das Werk von Yoko Ono und beleuchtet in mehreren Essays die zentralen Themenbereiche ihres Gesamtkonzepts, insbesondere Film, Musik und Intermedia. Onos Werk ist geprägt von Dualismen, der Beschäftigung mit den Elementen und mit Grundsatzfragen des menschlichen Seins. Zahlreiche Arbeiten kreisen um Licht und Schatten, Wasser und Feuer sowie Luft und Himmel. Auch das Zerstören und das Heilen sowie die Balance spielen eine wichtige Rolle in ihrem Konzept. Vorgestellt wird der vielfältige Kosmos der außerordentlichen Künstlerin, die als Wegbereiterin der frühen Konzept-, Film- und Performancekunst, aber auch als zentrale Gestalt der Musik, der Friedensbewegung und des Feminismus gilt und bis heute eine bedeutende Position im aktuellen Kunstgeschehen einnimmt. Rund 200 Objekte, Filme, raumfüllende Installationen, Fotos, Zeichnungen und Textarbeiten sowie ein eigener Musikraum beleuchten die mediale Vielfalt in Onos Werk sowie die zentralen Themen ihres OEuvres. Besondere Aufmerksamkeit liegt auf Yoko Onos Arbeiten aus den 1960er- und 1970er-Jahren.

Die neue Serie des deutschen Malers Daniel Richter stellt eine Zäsur im Werk des Künstlers dar. Die Gemälde der neuen Serie bestechen durch ihre Materialität. Richter verzichtet fast gänzlich auf das Malen mit dem bewährten Pinsel. Dies führt zu einem grundsätzlich gewandelten Erscheinungsbild. Richter vermeidet eine klare Sinnbildlichkeit und lässt keinen Raum für anekdotische Deutungen. Dennoch spiegeln seine Bilder seine starke Haltung gegenüber der Kunst und der Welt wider. Es handelt sich um eine bemerkenswerte Weiterentwicklung im Œuvre des Künstlers. In einem Interview gibt Daniel Richter dazu Auskunft; ein Essay führt in die neue Werkserie ein. 

Die Weimarer Republik (1918–1933) als erste deutsche Demokratie war eine Zeit der Krisen und der Übergänge – vom Deutschen Kaiserreich bis zum totalitären Regime im Nationalsozialismus. Zahlreiche Künstler haben die gesellschaftlichen Zustände dieser Jahre in ihren realistischen, ironischen, grotesken und kritisch-analytischen Darstellungen nicht nur widergespiegelt, sondern auch kommentiert, um sie zu verändern. Mit Werken von Otto Dix und George Grosz, Conrad Felixmüller und Christian Schad bis hin zu Dodo, Jeanne Mammen, Elfriede Lohse-Wächtler und vielen anderen berühmten wie neu zu entdeckenden Künstlern und Künstlerinnen entsteht ein vielschichtiges künstlerisches und politisches Bild der Weimarer Republik

TIPP. Neben einem umfassenden Einblick in die Geschichte der Weimarer Republik, gibt der Katalog spannende und fundierte Einblicke in eine Zeit der politischen, sozialen und kulturellen Umbrüche von der Vergnügungsindustrie, über die Rolle der „Neuen Frau“ bis hin zur Wiederbelebung und Neudefinition der Sportkultur

Der Holzschnitt als eines der ältesten Druckverfahren der Menschheit erlebte mit Albrecht Dürer im Mittelalter seinen Höhepunkt, rückte als künstlerische Technik über die Jahrhunderte mehr und mehr in den Hintergrund und erfuhr plötzlich in ganz Europa zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine bahnbrechende Wiederentdeckung. So auch in Wien, wo zahlreiche Künstler und auffallend viele Künstlerinnen den Farbholzschnitt neu belebten.
Die Publikation widmet diesem bislang kaum beachteten Phänomen: Rund 240 Werke – auch aus verwandten Techniken wie Linolschnitt oder Schablonendruck – von über 40 Künstlerinnen und Künstlern geben einen beeindruckenden Überblick und lassen die ästhetischen und gesellschaftlichen Errungenschaften des Farbholzschnitts im Wien der Jahrhundertwende erstmals umfassend sichtbar werden.

Spektakulär, groß und in Farbe, eroberte der Comic ab 1897 sein Publikum. Die Verbreitung des Comics im frühen 20. Jahrhundert basierte auf dem kometenhaften Aufstieg der Zeitung. Immer leistungsstärkere Druckmaschinen und der sinkende Papierpreis machten sie finanziell erschwinglich. Dies führte zu einer Explosion und Demokratisierung der Bilder und schuf mit den darin enthaltenen Comic-Beilagen das erste Bildmassenmedium der Geschichte.
Die Publikation stellt sechs für die Kulturgeschichte des Comics herausragende, vornehmlich US-amerikanische Zeichner vor: Winsor McCay, Lyonel Feininger, Charles Forbell, Cliff Sterrett, George Herriman und Frank King, die experimentierfreudig und progressiv die künstlerischen und inhaltlichen Maßstäbe des frühen Comics setzten.

In Heather Phil­lip­sons (*1978, London) Arbei­ten spielt das Medium Video eine zentrale Rolle, das sie zusam­men mit Foto­gra­fien, Objek­ten, Sound und Stimme zu Instal­la­tio­nen auswei­tet, um damit mehrere Sinne gleich­zei­tig anzu­spre­chen. Als viel­fach ausge­zeich­nete Schrift­stel­le­rin setzt Phil­lip­son zudem die Spra­che gegen die vermeint­lich über­wäl­ti­gende Macht und Komple­xi­tät digi­ta­ler Bilder ein. Das poeti­sche Zusam­men­spiel von Spra­che und Bild ergibt einen neuen Blick auf die Dinge, die uns täglich umge­ben und unse­ren Alltag beein­flus­sen. Markant sind die visu­ell anspre­chen­den Welten, die sie in ihrer Kunst kreiert: sicht­bar montierte Colla­gen aus hete­ro­ge­nen Dingen.

Doug Aitken verbindet in seinen vielfach ausgezeichneten Arbeiten dynamisch Film und Musik, Architektur, Performance und Skulptur. Seit mehr als 20 Jahren schafft er dadurch Kunstwerke von faszinierender audiovisueller Intensität und suggestiv-verführerischer Kraft. Nicht ohne Grund gehört Aitken zu einer einflussreichen Generation von Künstlern, welche die Inszenierung des Mediums Film nachhaltig bereichert haben: Seine Arbeiten zeugen von einer eingehenden Beobachtung der Wirklichkeit und sind Ausdruck einer philosophischen Betrachtung der gegenwärtigen Welt. Er nimmt den Betrachter seiner Film- und Soundarbeiten mit auf eine synästhetische Reise um die Welt und zu sich selbst, stellt existenzielle Fragen des Lebens, liefert jedoch keine einfachen Antworten. Stattdessen bringt er eine fast naive Begeisterung für das Menschsein und das gemeinschaftliche Zusammenwirken zum Ausdruck. Aitkens Themenwelt kreist fortwährend um die menschliche Zivilisation: die Entfremdung des Einzelnen und die Vereinzelung in der Masse, der Umgang des Menschen mit Natur und Technik sowie die Auswirkungen dieser Faktoren auf das Zusammenleben, auf die menschlichen Beziehungen an sich. 

Egon Schiele verstand sich als visionärer und prophetischer Künstler, František Kupka schuf einen von spiritistischen Leitlinien durchdrungenen abstrakten Malstil, Joseph Beuys rief zu einer Revolution unter der Rubrik „Soziale Plastik“ auf, und Friedensreich Hundertwasser war ein Umweltaktivist, dessen Spiralen-Bilder im Wesentlichen holistisch waren. Diese wegweisenden künstlerischen Haltungen und Entwicklungen wären ohne den Kontakt zu verschiedenen sogenannten „Propheten“ nicht entstanden. Einige waren Künstler-Naturisten, andere neuzeitliche Christusgestalten und wieder andere betrachteten sich als Sozialrevolutionäre. Ihre Bedeutung für die Kunst der Moderne ist in weiten Teilen eine unerzählte Geschichte geblieben. Ihre Namen – Karl Wilhelm Diefenbach, Gusto Gräser, Gustav Nagel sowie Friedrich Muck-Lamberty und Ludwig Christian Haeusser – sind heute fast in Vergessenheit geraten. Zu ihren Lebzeiten waren sie jedoch einem breiten Publikum und in Avantgarde-Kreisen bekannt. Auch Künstler und Intellektuelle bewunderten sie, wenn auch oft hinter vorgehaltener Hand. Unter anderem werden Werke von František Kupka, Egon Schiele, Johannes Baader, Heinrich Vogeler, Friedrich Schröder-Sonnenstern, Friedensreich Hundertwasser, Joseph Beuys oder Jörg Immendorff sowie vielfältige Dokumentationsmaterialien vorgestellt. Die Publikation deckt nicht nur Kausalitäten auf, sie zieht auch unerwartete Verbindungslinien und bettet die Propheten und die künstlerische Avantgarde in einen weitreichenden sozial-historischen Kontext ein.

Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Violett – was passiert im menschlichen Gehirn, wenn Farben nicht gesehen, sondern die Begriffe über das Gehör wahrgenommen werden? Ausgehend von einer Soundinstallation des Schweizer Künstlers Daniele Buetti für die Schirn Kunsthalle schlägt die Publikation den Bogen von Farbtheorie, Meditation und Hypnose im Kunstkontext.

Der Montmartre galt aber für viele Jahre als Mikrokosmos für ein künstlerisches Selbstbild, das mit Henry Murgers Roman Scènes de la vie de Bohème (1847–1849) einen zunächst literarischen Ausdruck fand. Er zog aber bald viele Künstlerinnen und Künstler an, die sich – obwohl oft aus großbürgerlichem Elternhaus stammend – bewusst für ein Leben als ärmliche Bohemiens am Rande der Gesellschaft entschieden. Dieses neue Selbstverständnis als freiwillig-unfreiwillige Außenseiter spiegelten sie besonders realistisch und eindrücklich in ihren Kunstwerken wider. Die Publikation nähert sich aus kunstsoziologischer Perspektive der Bohème am Montmartre, berücksichtigt den gesellschaftlichen und historischen Kontext und macht deutlich, wie stark sich Mythos und Legende des Ortes von der eigentlichen Realität unterschieden. ‚Esprit Montmartre‘ zeigt das wahre Leben der Menschen abseits der bekannten Klischees. Berührend, sinnlich und aufrüttelnd sind die Werke der Künstler, die mit ihren Sujets und Bildideen, Materialien und Stilen die künstlerischen Entwicklungen der Moderne wesentlich vorauszeichneten.

Der US-amerikanische Fotograf Philip-Lorca DiCorcia (*1951) gehört zu den bedeutendsten und einflussreichsten Fotografen unserer Zeit. Seine Bilder schweben zwischen alltäglichen Momenten und detailreich inszenierten Arrangements. Die realitätsnahe Wiedergabe und der scheinbar dokumentarische Blick werden in den Arbeiten des in New York lebenden Künstlers von einer höchst aufwendigen Bildregie unterwandert. Die Frage nach der Möglichkeit der Abbildung von Realität ist eines der Hauptthemen diCorcias und verbindet die überwiegend in Serien entstandenen Fotografien miteinander. So nahm er für Hustlers(1990–1992) männliche Prostituierte in minutiös inszenierten Settings auf, während er in seiner wohl bekanntesten Serie Heads (2000–2001) Passanten völlig ahnungslos in einer Alltagssekunde festhielt. Neben den Werkgruppen Streetwork (1993–1999), Lucky 13 (2004) und A Storybook Life (1975–1999) präsentiert der Katalog auch erstmals Arbeiten des momentan in Entstehung begriffenen Projekts East of Eden (2008‒).

Privat – das ist heute fast schon ein Wort aus der Vergangenheit. Kaum noch zutreffend in Zeiten, da alles auf Facebook gepostet wird, vom Lieblingskochrezept bis zum aktuellen Beziehungsstatus. Exhibitionismus, Selbstenthüllung, Erzähllust, Zeigefreude und Voyeurismus sind soziale Strategien unserer Zeit, in der längst ein Strukturwandel der Öffentlichkeit stattgefunden hat. Der Ausstellungskatalog „Privat“ unternimmt eindrückliche Exkursionen an die fragilen Grenzen zwischen Öffentlichem und Privatem. Fotografien, Polaroids, Handyfotos, Objekte, Installationen und Filme spiegeln häusliche Szenen und persönliche Geheimnisse.
Vorgestellte Künstler: Ai Weiwei, Merry Alpern, Michel Auder, Evan Baden, Richard Billingham, Mike Bouchet, Stan Brakhage, Sophie Calle, Tracey Emin, Hans-Peter Feldmann, Leo Gabin, Nan Goldin, Christian Jankowski, Jenny Michel und Michael Höpfel, Birgit Jürgenssen, Edgar Leciejewski, Leigh Ledare, Christian Marclay, Ryan McGinley, Marilyn Minter, Gabriel de la Mora, Mark Morrisroe, Laurel Nakadate, Peter Piller, Jörg Sasse, Dash Snow, Fiona Tan, Mark Wallin-ger, Andy Warhol, Michael Wolf, Kōhei Yoshiyuki, Akram Zaatari

Laut, spielerisch und respektlos – die provokante Kunst von Jeff Koons (*1955) lässt keinen kalt. Koons bedient sich geschickt der Medien, sprengt mit Anleihen bei Pop-Art und Populärkultur alle Genregrenzen und spielt auf der Klaviatur des Kunstmarktes wie kein Zweiter. Die Sammler reißen sich um seine wandfüllenden Gemälde und kolossalen Luftballontiere aus Edelstahl. Doch Koons desavouiert in seinen bunten, perfekt-makellosen Arbeiten auch das Verführungspotenzial einer glitzernden Warenwelt. Seine Kunst stimmt amüsant und nachdenklich. Das zunächst kontrovers diskutierte Werk des US-Amerikaners wird inzwischen als richtungweisend anerkannt.
Die Publikation stellt sein Œuvre in zwei Bänden vor: Gemälde aus allen Schaffensphasen des Künstlers stehen im Mittelpunkt des Malerei-Bandes. Seine Skulpturen bilden den Schwerpunkt des zweiten Bandes, in dem Sammlungsobjekte des Liebieghauses aus fünftausend Jahren Kulturgeschichte in Dialog mit seinen Werken treten.

In ihren Arbeiten reflektiert Bettina Pousttchi (geboren 1971) urbane und gesellschaftliche Veränderungen unserer Zeit. Ihre Fotografien, Filme, Skulpturen und Installationen machen die fundamentalen Veränderungen der Stadtlandschaft erfahrbar. Die künstlerische Auseinandersetzung mit dem urbanen Raum findet ihre konsequente Fortsetzung in den spektakulären ortsspezifischen Interventionen, mit denen Bettina Pousttchi öffentliche Plätze und Gebäude zu Objekten ihrer Arbeit macht. Bettina Pousttchi wurde einem breiten Publikum bekannt durch ihre monumentale ortsspezifische Fotoinstallation Echo auf dem Berliner Schlossplatz (2009/10). Dieser Katalog dokumentiert ihre neueste Installation Framework für die Schirn Kunsthalle Frankfurt und gibt einen umfassenden Überblick über das Werk der Künstlerin in den Medien Fotografie, Video und Skulptur der letzten zehn Jahre. 

Der Katalog „Edvard Munch. Der moderne Blick“ stellt das wenig erforschte Spätwerk des Künstlers in den Vordergrund und beweist, dass Edvard Munch (1863–1944) nicht nur ein Künstler des des 19., sondern ebenso des 20. Jahrhunderts war. Im Zentrum steht Munchs Auseinandersetzung mit modernen Repräsentationstechniken seiner Zeit wie Fotografie und Film. Seine Werke lassen erkennen, in welchem Maß er spezifisch fotografische oder filmische Kompositions- und Erzählformen, Posen und selbst Effekte in seine Malerei übernimmt. Darüber hinaus demonstriert der Katalog, wie Munch ein und dasselbe Sujet in Malerei, Zeichnung, Grafik, Fotografie und sogar Bildhauerei verarbeitet. Die häufige Wiederaufnahme von Motiven stellt einen wichtigen Schlüssel zum Verständnis seines Werks dar.

Rebellisch, provokant und polarisierend hat das Kienholz’sche OEuvre seit seinen Anfängen Mitte der 1950er-Jahre stets großes Aufsehen erregt: zunächst die Werke von Edward Kienholz (1927–1994) allein, später, ab 1972, die gemeinschaftlichen Projekte mit seiner Frau Nancy Reddin Kienholz. Kaum verwunderlich, stehen doch Religion, Krieg, Tod, Sex und die abgründigeren Seiten der Gesellschaft mit ihren sozialen Konflikten im Zentrum der Arbeit. Die Ausstellung in der Schirn zeigt in einer komplexen Zusammenschau die Essenz des Kienholz’schen Werks: von den ersten dreidimensionalen Arbeiten kleineren Formats über die konzeptuellen Werke bis zu den raumfüllenden Tableaus.
Der umfangreiche, reich bebilderte Katalog zur Ausstellung legt ein besonderes Augenmerk auf die visuelle Dokumentation der Entstehung der gezeigten Werke, deren großformatige Abbildungen mit zahlreichen teils erstmals publizierten Fotografien aus dem Archiv von Nancy Reddin Kienholz ergänzt werden. Zusätzlich zu drei wissenschaftlichen Aufsätzen und einem Interview mit der Künstlerin, führen einige kürzere Texte an die Hauptwerke der Ausstellung heran.

Im Zentrum der Arbeiten von Haris Epaminonda steht das Verfahren der Collage, das sie durch die Kombination von Bildern, Filmen, Fotografien, Skulpturen, Tongefäßen, Holzschnitzereien, chinesischem Porzellan, antiken Figuren und anderen vorgefundenen Gegenständen zu vielschichtigen Rauminstallationen weiterentwickelt. Ganz bewusst verzichtet Epaminonda auf jegliche Hinweise auf Zeit, Herkunft und Bedeutung ihrer aus unterschiedlichsten Quellen stammenden Objekte. Der Betrachter wird vielmehr auf sich selbst und seine Assoziationen zurückgeworfen. Mit ihrer Arbeit hinterfragt sie Aspekte der Zeit, der Bewegung und Ruhe sowie der Darstellung und Vorstellung.

Geheimgesellschaften - seit Jahrhunderten ein faszinierendes und beängstigendes Schlagwort für komplex organisierte, konspirative Gruppierungen. Auf den ersten Blick scheinen Geheimgesellschaften ein eher verblüffendes Thema im Kunstkontext zu sein. Doch in der Tat spiegeln sie mit ihren verborgenen Riten, ihrem geheimen Wissen und exklusiven Mitgliederkreis gewisse Mechanismen zeitgenössischer Kunst wider, wie auch umgekehrt das Phänomen der Geheimgesellschaft und ihrer Riten immer wieder von Künstlern thematisiert werden. Allein die Vermutung, dass Geheimgesellschaften mit allen Bereichen der Gesellschaft in Berührung stehen und sie auf geheimnisvolle Weise beeinflussen könnten, ist Grund genug für eine künstlerische Auseinandersetzung. Die Publikation geht daher der Frage nach, welche Motivationen von der Kunstwelt mit diesen geheimen Bewegungen geteilt werden beziehungsweise welche Vorstellungen sich gegenseitig begründen.

Der Katalog stellt erstmals als Werkverzeichnis des malerischen Œuvres alle noch existierenden Leinwandgemälde Schönebecks und etwa 40 Papierarbeiten vor. Eine umfangreiche, auf persönlichen Gesprächen basierende Biographie des Künstlers ordnet ihn in den Kontext der soziopolitischen Ereignisse im Nachkriegsdeutschland ein. Anliegen des Kataloges ist es, Schönebeck wieder zu seinem rechtmäßigen Platz in der Kunstgeschichtsschreibung zu verhelfen.

EN PASSANT ist der Titel einer raumfüllenden Installation mit über vierzig Skulpturen, die die Künstlergruppe et al.* eigens für die Schirn-Ausstellung SURREALE DINGE entwickelte. Die Publikation dokumentiert die Installation und macht als grundsätzlicher Bestandteil der Arbeit von et al.* zum Einen das jeweilige „Making of“, zum Anderen auch den direkten Rückgriff auf entsprechende historische Quellen oder Ereignisse anschaulich. EN PASSANT ist sowohl ein in sich geschlossenes, eigenständiges Werk wie auch ein ganz eigener künstlerischer Kommentar zu Kunstauffassung und Ausstellungspraxis der Surrealisten. Diese verschoben bewusst die Grenzen zwischen Ausstellungs- und Erlebnisort und ließen die Betrachtenden im Unklaren darüber, ob das Gebilde, mit dem sie räumlich und körperlich konfrontiert wurden, ein Kunstwerk oder ein Gegenstand zum Benutzen, Berühren oder Verändern war. Auch die Künstlergruppe et al.*, deren Mitglieder aus Deutschland, Schweden, Frankreich und den USA kommen, spricht mit ihrer Arbeit alle Sinne des Betrachters an.

Das Hörbuch zur Courbet-Ausstellung stellt mit rund 40 farbigen Abbildungen den „anderen“ Courbet vor, der von der deutschen Romantik ausgehend die Vision einer poetischen Kunst der Moderne realisiert, wie sie dann bei Paul Cézanne und Pablo Picasso, aber auch im Symbolismus und Surrealismus weiterentwickelt wurde.

Die amerikanische Konzeptkünstlerin Barbara Kruger hat für die Rotunde der Schirn eine neue, öffentlich zugängliche Installation geschaffen, die Boden, Decke und die umgebenden Wände mit den für sie typischen weißen und teilweise roten Schriftzügen auf schwarzem Grund überzieht. „Ich arbeite mit Bildern und Worten, weil sie die Fähigkeit haben, zu bestimmen, wer wir sind oder nicht sind“, sagt Kruger. Bilder und Texte der Massenmedien, der Werbung und des Konsums bilden das Material, aus dem sie ihre Botschaften entwickelt.

Zelluloid widmet sich einem besonderen Genre des künstlerischen Films, bei dem das Bild direkt – durch eine physische Bearbeitung des Filmstreifens – hervorgebracht wird. Im Unterschied zu anderen Formen des experimentellen Films wird das Filmmaterial dabei unter Anwendung vielfältiger künstlerischer Verfahren gleichsam als Leinwand interpretiert.
Die Publikation präsentiert mit rund 20 internationalen Künstlern und Filmemachern von den 1930er Jahren bis in die Gegenwart herausragende Beispiele des kameralosen Films.

Das Thema „Figur im Raum“ verdeutlicht das unerhört Neue an George Seurats Gemälden und Zeichnungen. Seine Bleistiftstriche überziehen das Papier als dichtes Geflecht und lassen das Motiv als etwas Schwebend-Unbestimmtes hervortreten bzw. verschwinden, markante Hell-Dunkel-Kontraste umspielen und akzentuieren die Figuren. In den Gemälden setzt er die Sujets in seiner Maltechnik des Pointillismus und in innovativen Kompositionen um, in späteren Arbeiten repetiert und variiert er sogar menschliche Formen innerhalb desselben Werks.

„Retina“ zeigt eine Werkgruppe mit neunzehn bislang nicht ausgestellten Arbeiten aus den letzten zwölf Monaten. Für den Titel stand eine Serie von sechs Ölgemälden Pate, die sich mit der optischen Wahrnehmung der gegenständlichen Welt und deren Abstraktion auseinandersetzt. Die Arbeiten bilden durch die fast völlige Abwesenheit gegenständlicher Bezüge eine sichtbare Zäsur im Werk des Künstlers.

Die zuerst 1965 von Lehrern und Absolventen der Sichuan Kunstakademie in Chongqing geschaffene Skulpturengruppe Hof der Pachteinnahme mit ihren über 100 lebensgroßen Figuren zählt zu den wichtigsten Werken der modernen chinesischen Kunstgeschichte und ist fest im kollektiven Bewusstsein Chinas verankert. Ausführlich beleuchtet die Publikation sowohl Entstehung als auch Rezeption des einzigartigen Kunstwerks, das auch außerhalb Chinas Aufmerksamkeit erregte.

In einer sizilianischen Tageszeitung begann das Projekt Triumph in Form einer von Aleksandra Mir geschalteten Suchanzeige. Ihr Interesse galt dem Pokal, einem Objekt, dessen Geschichte weit in die kulturelle Vergangenheit der Menschheit zurückreicht und das heute überwiegend bei sportlichen Veranstaltungen vergeben wird. Über 2500 Pokale konnten so eingesammelt werden. Zwar handelt es sich um zeitgenössische Massenprodukte, doch ist jeder Pokal mittels einer Gravur individualisiert und erzählt eine persönliche Geschichte.

Das innovative Spätwerk von Ernst Wilhelm Nay gehört zu den unbekannteren Abschnitten seines umfangreichen Œuvres. Die Publikation konzentriert sich auf seine Arbeiten der 1960er Jahre, beginnend mit den drei Augenbildern, die Arnold Bode auf der documenta III 1964 in spektakulärer Hängung an der Decke präsentiert hatte. Bis zu seinem Tod 1968 schuf er eine völlig neue Gruppe von Gemälden, die in ihrer Klarheit und Reduktion heutige Tendenzen der Kunst vorweg zu nehmen scheinen.

Peter Doig zählt zu den großen Malern unserer Zeit. Diese Publikation stellt einen Werk-Überblick aus den letzten 20 Jahren zusammen, der mit Archivmaterial sowie Zeichnungen abgerundet wird. Doigs Bilder bewegen sich in einem völlig eigenen Raum zwischen Figuration, intensiven Chiffren erinnerter Bilder und malerisch durchgearbeiteten Farbflächen. „Du kannst mich fragen, worum es in den Bildern geht, aber ich kann es dir wirklich nicht sagen, sie sind einfach Chiffren für deine eigenen Vorstellungen", so beschreibt Doig selbst seine Malerei.

Terence Koh ist es innerhalb kürzester Zeit gelungen, mit spektakulären Performances und intensiv erfahrbaren Installationen zum viel beachteten Gesamtkunstwerk zu werden. Wie kein anderer versteht es der Künstler, Einflüsse aus dem Postminimalismus und der Body-Art der Siebzigerjahre in einen eigenen Kosmos zu überführen, in dem Dekadenz und gezielte Überschreitung regieren. Die Publikation lädt ein, Koh auf eine Reise zu begleiten, die ihn auf der Suche nach sich selbst durch die Welt – Indien, China, Birma, Belgien, Afrika – ins Nirwana führen soll.

Auch in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts gab es Berufskünstlerinnen: Berthe Morisot, eine zentrale Gestalt der impressionistischen Bewegung, Mary Cassatt, die als von Degas respektierte Kollegin eine sehr eigenständige Rolle spielte, Eva Gonzalès, eine begabte Manet-Schülerin, und Marie Bracquemond, deren schmales Œuvre höchste Qualität beweist. Die Arbeiten spiegeln unterschiedliche Lebensläufe und weibliche Erfahrungswelten. Die Publikation zeigt viele weithin noch unbekannte, überraschende Bilder, die auf ihre Entdeckung warten.

Der reich bebilderte Katalog präsentiert neben den"Klassikern"von Jean Tinguely auch zahlreiche Werke von zeitgenössischen Künstlern wie Michael Beutler, Angela Bulloch, Olafur Eliasson, Rebecca Horn, Steven Pippin, Richard Jackson und Roxy Paine.

Das Bilderbuch zur Ausstellung "Kunst - Ein Kinderspiel" - Eine Geschichte von Rudi Gerharz.