Das künstlerische Schaffen von Saodat Ismailova verleiht den Traditionen ihres Heimtlandes Turkestan eine zeitgenössische Stimme. Mit Blick fürs Detail porträtiert sie die große historische Region Zentralasiens zwischen dem Kaspischen Meer und der Wüste Gobi und deren Bewohner*innen. Ismailovas Filme, Videoessays und Installationen vermitteln universelle Botschaften über das kollektive Gedächtnis, die Suche nach den eigenen Wurzeln und die Wiederbelebung von Kosmologien – verbunden mit einem neu erwachten Verständnis für verborgenes oder verschwundenes Wissen. In der SCHIRN präsentiert die Künstlerin ihre Arbeit „Her Right“ (2020, 14 Min.), mit der sie an die politische Kampagne „Hujum“ (Angriff) erinnert, die 1927 von der Kommunistischen Partei zur Emanzipation und Entschleierung der Frauen in Usbekistan gestartet wurde. Während die Hujum-Kampagne auf mehreren Ebenen ansetzte und darauf abzielte, Mädchen für die Schule anzumelden und Frauen in die Arbeitswelt und das öffentliche Leben zu integrieren, war es vor allem ihre Enthüllung, welche Aufmerksamkeit auf sich zog.

„Her Right“ bezieht selten zugängliche Stummfilme ein, darunter ikonische Werke wie Ali Chamrajews „Bez strakha“ (Ohne Angst, 1971) und Shuhrat Abbosovs „Olovli yoʻllar“ (Die Straßen des Feuers, 1978–1984), und beleuchtet so auch dieses entscheidende Kapitel der usbekischen (Film-)Geschichte. Ismailovas Montage betont die emotionalen Erfahrungen der Frauen, die zwischen den Versprechungen der Emanzipation, den dramatischen Herausforderungen und Bedrohungen und der staatlichen Propaganda hin- und hergerissen waren.

Diego Marcon, geboren 1985 in Busto Arsizio und derzeit in Mailand ansässig, studierte Filmschnitt in Mailand und Bildende Kunst in Venedig. Seine Kunst beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Realität und Repräsentation und erforscht das Potenzial des bewegten Bildes, Wissen und Wirklichkeit zu hinterfragen. In seinem Film MONELLE (2017) liegen junge Mädchen schlafend in der Casa del Fascio in Como, einem Meisterwerk der modernen Architektur von Giuseppe Terragni. In flüchtigen Lichtblitzen erscheinen die Bilder kurzzeitig, während CGI-animierte Gestalten im Dunkeln mysteriöse Aktivitäten entfalten. MONELLE ist ein zirkulärer Film ohne Anfang oder Ende, der verschiedene Filmstile wie 35mm und CGI sowie strukturalistisches Kino und das Horror-Genre miteinander vermischt. Im Anschluss wird O, Persecuted (2014) von Basma Alsharif gezeigt. Der Film verwandelt die Restaurierung eines palästinensischen Militantenfilms von 1974 in eine filmische Performance, die Vergangenheit und Gegenwart, Ideologie und Eskapismus auf eindringliche Weise verbindet. Die Geschichte entfaltet sich durch das Entfernen einer bemalten Oberfläche, bis die verborgenen Bilder kraftvoll hervorbrechen und die Spannung der Geschichte in wild energetische Szenen übergeht.

Elisa Giardina Papa ist eine italienische Künstlerin, deren Arbeiten Geschlecht, Sexualität und Arbeit im Kontext des neoliberalen Kapitalismus und der Grenzen des globalen Südens untersuchen. Ihr aktuelles Werk dokumentiert, wie vergangene und gegenwärtige Formen des Kapitalismus nach und nach alle Fähigkeiten zur Arbeit und zum Leben – einschließlich Schlaf, Affekt und Emotionen – ausgeschöpft haben und lenkt den Blick stattdessen auf alles in unserem Leben, was sich nicht fassen, übersetzen oder berechnen lässt. Ihr Film „U Scantu: A Disorderly Tale“ (2022, 13'06'') zeigt eine Neuinterpretation des sizilianischen Mythos der donne di fora („Frauen von draußen und außer sich“). Diese Frauen wurden als sowohl magisch als auch kriminell beschrieben und sollen sowohl das Weibliche als auch das Männliche, das Menschliche und das Tierische, das Wohlwollende und das Rachsüchtige in sich vereint haben.  Begleitet von keramischen Skulpturen verwandter fantastischer Bilder, nutzt „U Scantu: A Disorderly Tale“ das Magische, Ritualistische und Ungeordnete als Kräfte, die eine Vorstellung jenseits vorgegebener Kategorien des Menschseins, der chronologischen Zeit und der mythologischen Weiblichkeit schaffen.

Johanna Billing untersucht in ihren Videoarbeiten, welche Faktoren zwischenmenschliche Handlungen und Entscheidungen beeinflussen und insbesondere, welche Rolle dabei den unvorhersehbaren Momenten zukommt. Ausgangspunkt von Billings Arbeiten ist meist ein Dialog, in dem die beteiligten Personen ihre Rolle innerhalb einer Gruppe durch Performance und Improvisation erkunden. In der SCHIRN präsentiert die Künstlerin ihren Film „Each Moment Presents What Happens“ (2022, 27 Min.), der die experimentelle Praxis des US-amerikanischen Komponisten und Künstlers John Cage (1912–1992) mit einer Gruppe von Studierenden zur Neuanwendung bringt. Anlässlich der Eröffnung des neuen Zentrums der darstellenden Künste der Bristol Grammar School greift Billing in dieser Arbeit John Cages Performance „Untitled Event (Theater Piece No. 19)“ auf, um gemeinsam mit den Studierenden Workshops zu entwickeln. Sie experimentieren mit einer Vielzahl von Fundstücken aus ihrer unmittelbaren Umgebung. Die nicht-hierarchische Lehrmethode setzt dabei Vergangenheit und Gegenwart in Bezug und eröffnet einen multiperspektivischen Blick. Die Idee, dass die Erfahrungen eines Moments nie gleich sind, veranschaulicht Billing in „Each Moment Presents What Happens“ durch den Einsatz einer 360-Grad-Kamera anstelle eines Publikums. Durch das Einfügen von Szenen aus dem vorherigen Schulalltag thematisiert sie zudem die komplexe Art und Weise, wie Situationen im alltäglichen Leben choreografiert, Handlungen in Bezug auf andere ständig neu kalibriert und unsere Wissenssysteme organisiert werden.

Melanie Jame Wolf ist bildende Künstlerin und Choreografin. In ihren Arbeiten setzt sie sich u. a. mit den Themen Macht, Kapital und dem Showbusiness auseinander. In der Schirn präsentiert sie ihre jüngste Videoarbeit The Creep (2023, 15 Min.), die sie im Kontext einer multimedialen Installation schuf. Als Fortsetzung ihrer fortlaufenden „Creep Studies“ analysiert die Künstlerin in dem Werk die Dynamik zwischen Gewalt, Begehren und Performativität. In ihrer Arbeit konzentriert sie sich auf spezifische Performance-Techniken wie Imitation, Proben oder Stand-Up. In The Creep steht eine Cowboy-Figur im Mittelpunkt. Anhand der choreografierten Handlungen dieser Protagonist*in werden die vielschichtigen Definitionen und Erfahrungen von „creep“ – eines Gefühls, Substantivs und Verbs – untersucht. Visuell lehnt sich Wolf an eine hyperstilisierte Pop-Ästhetik an. Zudem verwendet sie in ihrer Arbeit Sprache und Humor als Mittel, um strukturelle Gewalt, Macht und alltägliche Spannungen zu hinterfragen.