Imaginations-Maschine

Rätselhafte Dinge scheinen in Ani Schulzes Arbeit „Merchants Freely Enter“ (2017) vor sich zu gehen, dabei geschieht zu Beginn augenscheinlich gar nicht viel. Hochauflösende Nahaufnahmen der Natur im Wald - ein Bach, Blätter, Nebel zieht durch den Bildausschnitt. Der Wald-Atmo auf der Tonspur gesellen sich perkussive Elemente hinzu; zwischenzeitlich verzerrt die Tonspur hörbar, beinahe so, als würde sie in ihre digitalen Bestandteile zerlegt. Personen in schwarzer Montur tauchen auf, zunächst nur von der Taille abwärts sichtbar, dann auch vollständig, und spielen mit Holzvögeln. Nun löst sich die Kamera vom Boden und überfliegt große Kornfelder, den Blick immer auf den Boden, nie in die Ferne gerichtet.

In der Welt von „Merchants Freely Enter“ weiß man als Betrachter so auch nie genau, woran man ist oder wo man sich befindet: Die Aufnahmen evozieren bestimmte Gefühlswelten, knüpfen an gewisse Sehgewohnheiten an, lassen die erweckten Erwartungen im Folgenden jedoch dem Anschein nach ins Leere laufen. Möchte man die Arbeit in verschiedene Teile aufschlüsseln, so wiederholt sich die Struktur des ersten Teils im Folgenden. Anstatt der Nahaufnahmen der Natur werden nun jedoch auf dem Boden liegende Personen in close-ups von der Kamera eingerahmt. Schlafen die Personen? Sind sie überhaupt am Leben? Was hat es mit den Kaufleuten, auf die der Titel verweist, auf sich?

Niemand sieht den gleichen Film

Auffallend ist der Kontrast von Statik und Bewegung: entweder die statische Kamera fängt fließende Bewegungen ein, oder aber sie filmt in ruhigen Fahrten regungslose Gegenstände ab. Trotzdem die Kamera fast nie den Blick aufs Ganze mittels einer weiten, offenen Totale freigibt und somit Einordnung ermöglicht, entsteht dennoch kein klaustrophobes Bilderkorsett. Entledigt von jeglicher Sprache, gesprochener wie auch geschriebener, entwickelt sich „Merchants Freely Enter“ immer mehr zu einer Art Imaginations-Maschine, die sich für den Betrachter als Ausgangspunkt eigener Filmversionen andient, bei der niemand den exakt gleichen Film zu sehen scheint.

Die Crew nimmt Gomes gefangen und droht mit seiner Hinrichtung, und so beginnt er wie einst Scheherazade,  Geschichten zu erzählen: Geschichten über ein Treffen von Ministerpräsident, Finanzminister und Gewerkschaftsbossen und deren Dauererektion, ausgelöst durch das Spray eines kecken Schamanen. Geschichten einer (realen) Gerichtsverhandlung über einen Gockel, der jeden Morgen viel zu früh die angrenzenden Nachbarn durch sein Geschrei aufweckte und hernach getötet werden sollte. Und auch Erzählungen von und über einfache Menschen, die ihre Arbeit verloren haben und nun an der Armutsgrenze ihr Dasein fristen.

Das Monumentale und Größenwahnsinnige

Der Film schildere „Geschichten von Armen und Reichen, Mächtigen und Unbekannten, Kindern und Alten, Menschen und Tieren“, so Miguel Gomes. Das an ein Film-Essay erinnernde Werk ist dabei verspielt, ernst, leichtfüßig, dramatisch und zuvorderst überaus human. Gomes versucht, die Bandbreite menschlicher Empfindungen in Geschichten und Bilder zu packen und das metaphorische Potential voneinander unabhängiger Geschehnisse zu erkunden. Gleichermaßen stellt der Film den Versuch da, explizit zeitnah und konkret auf gesellschaftliche, politische und historische Ereignisse einzugehen. Das Monumentale und vielleicht auch Größenwahnsinnige von „As Mil e Uma Noites“ birgt seiner Form nach dann auch immer etwas von dem in sich, wie der konkrete Einzelne, der hier seine Arbeit, seinen Besitzstand oder seine große Liebe verliert, sich gegenüber den Vorgängen in der Welt überhaupt fühlen muss: mal abgehängt, mal belustigt, mal traurig, mal grotesk.