Best of Berlinale 2018

„Jahilya“ von Hicham Lasri

Wovon träumen Kakerlaken? Der kurze Prolog in Hicham Lasris „Jahilya“ klärt auf: Davon, nicht von Menschenhand zerquetscht zu werden, sondern eines natürlichen Todes zu sterben. Über die Träume von Menschen ist hiermit freilich noch nichts gesagt. Setzt man die Träume eines Menschen als seine Handlungsmaxime, lässt Hicham Lasri über jene nichts Gutes vermuten: Hier tyrannisieren Männer Frauen, Kinder Erwachsene und Mächtige Untergebene.

Hicham Lasri zeichnet in „Jahilya“ ein tristes Bild der marokkanischen Gesellschaft, gekennzeichnet durch Frauenverachtung, Hoffnungslosigkeit und Unterdrückung. Sechs Handlungsstränge verwebt er zu einer surrealistischen Mélange - in der Summe eine Geschichte über Ausgestoßene und deren Unterdrücker: eine vergewaltigte Frau, ein Selbstmörder, eine unverheiratete Schwangere. In seiner gleichzeitig symbolisch aufgeladenen wie brachial-konkreten Bildsprache erinnert der Film an Bunuels surrealistische Spätwerke wie „Le Fantôme de la liberté“. Lasri selbst versteht „Jahilya“ so auch als einen Frontalangriff, als einen Film, der ruft: Es reicht! Das Werk ist der Abschluss seiner „Triologie des Hundes“, der „C’est Eux Les Chiens“ (2013) und „Affame Ton Chien“ (2015) vorausgegangen waren.

Guy Maddin, der kanadische Experimentalfilmer, dessen Arbeiten es relativ regelmäßig ins Kino schaffen, und Evan Johnson haben Klassiker der Filmgeschichte so zerlegt und neu zusammengefügt, dass die entscheidenden Zusammenhänge sich gerade nicht auf der Kinoleinwand abspielen. Und damit den Film noir - dem er hier wie eigentlich der gesamten Geschichte einschlägiger Hollywoodklassiker eine Hommage widmet - um seine essentiellen Bestandteile beraubt: Hechtende Männer, deren Verfolgungsjagden nie enden, fallende Ganoven, Schurken und Detektive, die immer wieder eine Szene weiter fallen. Ist das dann nicht schon wieder eine Art „Anti-Hommage“?

Getragen wird die experimentelle Anordnung durch einen Hitchcock-Klassiker und somit auch durch San Francisco, die nordkalifornische Stadt, in der alles begann: „Vertigo“ ist der Dreh- und Angelpunkt des Geschehens, das hier grob als Collage nacherzählt wird – mit Ausschnitten aus ebenjenem bis zu „Sister Act 2“. Das macht „The Green Fog“ umso kunstfertiger, aber man muss die Referenz gar nicht unbedingt voll durchschauen, um den grünen Gruselnebel im malerisch schönen, schaurigen San Francisco zu goutieren. Der mediale Referenzen-Reigen hört hier sowieso noch lang nicht auf: Gegen Ende erscheint sogar die 90er-Boyband `NSYNC auf dem Schwarz-Weiß-Röhrenfernseher im Bild.

“Notes On An Appearance” von Ricky d‘Ambrose

Ein junger Mann kehrt zurück aus einem Urlaub von Übersee und kommt bei einem Freund in Brooklyn unter. Er hilft seinem Freund bei dessen wissenschaftlicher Arbeit über einen kürzlich verstorbenen umstrittenen Philosophen, wertet privates Videomaterial und diverse Schriften des Denkers aus. Plötzlich verschwindet der junge Mann spurlos und seine Freunde machen sich auf die Suche nach ihm. „Notes On An Appearance“ von Ricky d’Ambrose ist ein einstündiges Kammerspiel der Dokumente und Indizien. Immer wieder tauchen persönliche Objekte der Protagonisten in Großaufnahme vor der Kamera auf: eine Postkarte, ein Reisepass, Zeitungsartikel oder Tagebucheintragungen.

Die Detailaufnahmen und grundsätzliche Formsprache erinnert stark an das französische Kino der Novuelle Vague, besonders an die Bildsprache aus Robert Bressons „Pickpocket“. Losgelöst von jedem materiellen Raum, in dem Objekte sonst ihren Nutzen entfalten, hievt der junge Amerikaner sie in seinem ersten, Kickstarter-finanzierten Experimentalspielfilm auf die große Bühne. „Notes On An Appearance“ scheint auf der Suche nach dem zu sein, was Objekte über ihre Besitzer aussagen können. Die Protagonisten bleiben so auch merkwürdig monoton und roboterhaft in ihrem Verhalten und ihren Gesprächen, wenig Menschliches haftet ihren Körpern an. Was bleibt, sind die Dinge und einige verhallte Geräusche von weit her.

“Premières solitudes” von Claire Simon

Dem gesprochenem Wort räumt auch die französische Dehbuchautorin, Schauspielerin und Regisseurin Claire Simon den größtmöglich denkbaren Platz sein. In „Premières solitudes“ lässt sie Jugendliche schlicht und einfach aus ihrem Alltag berichten. Sie heißen Tessa, Anaïs, Catia, Manon, Elia, Hugo oder Clément, allesamt Elftklässler aus einem Pariser Vorort. Als Zuschauer kann man kaum glauben, dass hier tatsächlich Jugendliche offen und frei aus ihrem Leben berichten - und nicht etwa Schauspieler ein Skript vortragen. Simon selbst ist nicht zu sehen oder zu hören. Sie gibt ihren jungen Protagonisten auch keinen Gesprächsfaden an die Hand. Ihre Kamera ist wortwörtlich stiller Beobachter, wenn sich die Schülerinnen und Schüler in kleinen Gruppen über ihre Wünsche und Hoffnungen austauschen, über die kaputten Elternhäuser, die erste Liebe und das erste Leiden.

Man ist überrascht, wie reflektiert, unprätentiös und vor allen Dingen aber selbstbewusst und ohne jede Scheu vor der Kamera miteinander agiert wird: Ein Junge beginnt zunächst verschämt, dann immer offenherziger über die verkorkste Beziehung zu seinem Vater zu sprechen, schließlich weint er und wird von seinen Freundinnen getröstet. Es liegt etwas unerklärlich Magisches, im besten Sinne Humanes darin, wie uns Simon die Jugendlichen in „Premières solitudes“ zeigt.

„6144x1024“ von Margaret Honda

Der mit Abstand längste Experimentalfilm des gesamten Festivals stammte von der amerikanischen Künstlerin Margaret Honda, die ihn als eine Widmung an „11x14“ von James Benning versteht. Dabei zeigt Honda die 6144 Farb- multipliziert mit 1024 Helligkeitsschritte, die zusammengenommen das gesamte Abbildungsspektrum des Projektors ausmachen, komplett stumm: Eine Farbe nach der anderen erfüllt die gesamte Leinwand, nahtlos geht die eine in die andere über.