In ihrer Arbeit verwebt Belinda Kazeem-Kamiński Schwarze feministische Theorie mit einer recherchebasierten und prozessorientierten investigativen Praxis, die sich den Bedingungen Schwarzen Lebens in der afrikanischen Diaspora widmet. Kazeem-Kamiński setzt sich dabei bewusst über klare Grenzen zwischen Dokumentation und Spekulation hinweg, indem sie verschiedene Räume und Zeiten miteinander verknüpft. In der SCHIRN präsentiert die Künstlerin gleich zwei Filme. In "The Letter" (2019, 18 Min.) untersucht Kazeem-Kamiński die Kraft des Archivs bei der Bildung kollektiver Erinnerungen. Inspiriert von einem offenen Brief von Yaarborley Domeï, der im Oktober 1896 in den Wiener Caricaturen veröffentlicht wurde, folgen drei Empath*innen den Spuren von Yaarborley Domeï's Leben. Die Filmemacherin hebt dabei die Gewalt des Archivs hervor, die versucht, Beziehungen und Erlebnisse zu unterdrücken und zu löschen. Der zweite Film des Abend "Fleshbacks" (2021, 6 Min.) ist eine dreiteilige Ergänzung zu "The Letter" und zeigt Protagonist*innen in verschiedenen städtischen Umgebungen. Gekleidet in schwarze Overalls und mit Requisiten wie einer Lupe, restauratorischen Werkzeugen und schwarzen Lederhandschuhen ausgestattet, bewegen sie sich durch die Stadt und folgen einem unsichtbaren Ruf. Die Grenzen zwischen Wien und Accra, zwischen damals und heute, zwischen hier und dort, verschwimmen und werden letztendlich obsolet.

Die Videokünstlerin Julika Rudelius erkundet in ihren Arbeiten die verbale Kommunikation, insbesondere im Hinblick auf die Frage, wie sie zu sozialen Hierarchien und Verhaltensmustern beiträgt. Dies verbindet sie mit der Erforschung von Fragen der Sexualität, der sich verändernden Dynamik von Sex und Macht und dem kulturellen Bedürfnis, sexuelle Details verbal auszudrücken. In ihrem Werk "It is true because I feel it" (2021, 17:26 Min.) werden anonyme Personen in einem dunklen, immersiven und abgeschlossenen Raum zusammengebracht. Sie weisen keine sichtbaren Attribute von Statushierarchien wie Schönheit, Macht oder Reichtum auf. Ausgehend vom menschlichen Körper als Ort der Emotionen begeben sich die Teilnehmer*innen gemeinsam auf die Suche nach zwischenmenschlicher Intimität und ergründen in achtsamen Begegnungen, emotionalen Ausbrüchen und unaufdringlichen Berührungen den eigenen Schmerz. Die intimen Interaktionen sind geprägt von einer Ambiguität von inszenierten und spontanen Situationen und sollen als Heilmittel in einer Zeit des Hyperindividualismus dienen, in der Einsamkeit zu einem der größten sozialen Probleme westlicher Gesellschaften wächst. Durch die obskure und zeremoniell anmutende Umgebung betont Rudelius das Spirituelle. Sie fragt danach, ob Intimität als Disziplin lehr- und lernbar ist und inwiefern das bloße Zeigen von Intimität als Ersatz für die „echte“ Zugehörigkeit eintreten kann. Gleichzeitig wird in der Konfrontation männlicher und weiblicher Akteur*innen die Geschlechterdiskriminierung zu einem zentralen Thema der Katharsis.

Die Filmregisseurin, Produzentin und Drehbuchautorin Christin Berg beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit urbanen Räumen und entlegenen Naturgebieten, anhand derer sie die paradoxen Zustände des Menschen untersucht. In der Schirn zeigt sie ihren Film Beyond the Now (2022, 19 Min.). Die Arbeit vereint im Kurzfilmformat Reflexionen über Umweltzerstörung, Verlust von Empathie und soziale Sprachlosigkeit. Beyond the Now spielt zeitlich zwischen dem Jetzt und einer Zukunft und veranschaulicht die Diskrepanz zwischen dem Bestehenden und einer vergangenen Hoffnung. Den Ausgangspunkt der Arbeit bilden landschaftliche Panorama-Aufnahmen, die zwar von Drohnen aufgenommen wurden, doch zugleich Erinnerungen an die romantische Verehrung der Naturerhabenheit wecken. Indem der Film zunehmend Menschen ins Bild setzt, richtet er seinen Fokus auf die Spuren, die unsere Gesellschaft in der Natur hinterlässt. Ein Szenenwechsel in eine Bar, in der zwei Frauen eine nonverbale Performance vollziehen, verweist auf die Gegenwart, in der Sprachlosigkeit sowie Resignation die Auseinandersetzung mit dem Klimawandel und medialen Katastrophenbildern dominieren. Zugleich symbolisiert die Darbietung der Protagonistinnen den Kreislauf von Geburt, Wachstum, Dekonstruktion sowie Tod und kennzeichnet den Menschen als natürliches Wesen.

Die Künstlerin, Filmemacherin und Essayistin Tekla Aslanishvili untersucht in ihren Arbeiten weit verbreitete Praktiken der automatisierten Produktion und des algorithmischen Managements globaler städtischer Räume. Die Werke von Aslanishvili bewegen sich an der Schnittstelle von infrastrukturellem Design, Geschichte und Geopolitik. In der Schirn präsentiert sie ihren Film "A State in a State" (2022, 47 Min.); einen experimentellen Dokumentarfilm, der den Bau, die Störung und die Fragmentierung von Eisenbahnen im Südkaukasus und in der kaspischen Region verfolgt. Der Film betrachtet die Eisenbahn als technische Verwirklichung der fragilen politischen Grenzen, die nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion entstanden. Mit Blick auf historische und aktuelle Widerstandspraktiken untersucht "A State in a State" das Potenzial von Eisenbahnen für den Aufbau eines anderen Infrastrukturbewusstseins und für dauerhafte transnationale Verwandtschaft zwischen den Menschen, die um sie herum leben und arbeiten.

Driant Zeneli (*1983) hat bereits zweimal den albanischen Pavillon der Venedig-Biennale bespielt. Sein überwiegend filmisches Werk wird getragen von einem humanistischen Ethos, das im Bau von sozialen Utopien und dem ständigen Scheitern an deren Umsetzung besteht. Von märchenhaften Wesen und fabelhaften Geschichten handelt die zuletzt entstandene Trilogie, die Zeneli in drei historischen, brutalistischen Gebäuden in drei Städten des Balkans spielen lässt – in Pristina, in Tirana sowie in Skopje. Diese Triologie wird er auch beim kommenden Double Feature in der SCHIRN zeigen.

Die Filmkünstlerin Karimah Ashadu setzt sich mit Lebens- und Arbeitsbedingungen, Patriarchat und Vorstellungen von Unabhängigkeit im sozioökonomischen und kulturellen Kontext Nigerias und Westafrikas auseinander. In der SCHIRN zeigt Ashadu ihren Film Plateau (2021, 30 Min.), benannt nach dem nigerianischen Bundesstaat Jos-Plateau. Die Videoarbeit begleitet eine Gruppe von Bergmännern, die in dieser Region illegal Zinn und Kolumbit abbauen und eröffnet einen postkolonialen Diskurs. Nach dem Ende des im Kolonialismus begründeten Handels mit den Mineralien 1985 wurden dort viele Unternehmen geschlossen und die Arbeiter entlassen. Das erworbene Wissen wurde jedoch weitergegeben und es formierten sich unabhängige Gemeinschaften, um erneut nach Mineralien zu schürfen. Plateau porträtiert Arbeiter, Dorfbewohner und Landbesitzer, die über die Zerstörung der Landschaft, Ungerechtigkeit und die Gefahren des Zinnabbaus reflektieren. Im Vordergrund steht jedoch das Streben nach Unabhängigkeit durch Arbeit. Ashadu lenkt dabei den Blick unverklärt auf die Schönheit der zerfurchten Landschaft und kreiert ein reales Bild der gefährlichen Arbeitsbedingungen, ohne zu moralisieren.